Le interviste

Mon père est batteur—pas un professionnel, mais il y a toujours eu une batterie à la maison depuis ma naissance. Ainsi, mon premier instrument était en fait la batterie. J'ai commencé en jouant simplement sur les disques que nous avions à la maison. Mes parents n'écoutaient pas de jazz ; à la place, la musique dans notre maison provenait d'artistes comme Earth, Wind & Fire, the Ohio Players, et George Benson.
Mon véritable parcours musical a commencé à l'âge de dix ans, lorsque nous avons acquis un piano. Au début, je jouais à l'oreille, en suivant mon père, et finalement j'ai commencé à prendre des leçons de musique classique. Cependant, je n'étais pas toujours assidu dans ma pratique.
Plutôt que de pratiquer les morceaux assignés exactement comme ils étaient écrits, je trouvais bien plus agréable de jouer des mélodies simples de mon cru avant les leçons, ou d'improviser et d'arranger les morceaux à ma façon. Au lieu de me réprimander pour ne pas avoir fait mes devoirs, mon professeur de musique classique a reconnu mon côté créatif et rebelle et m'a suggéré : « Tu ferais peut-être mieux d'étudier le jazz. »
Rencontrer un mentor aussi merveilleux—et entendre Oscar Peterson jouer—s'est révélé être un tournant décisif. Au moment où je l'ai entendu, j'ai su que je voulais devenir musicien de jazz. Jouer du piano que j'aime, voyager dans le monde entier et me produire devant les gens — rien dans ma vie n'est plus gratifiant ou plus joyeux.

La fierté de la section rythmique, harmonisant 15 personnalités uniques

Je me suis installé à New York en 2004, et l'année suivante, au début de la vingtaine, j'ai rejoint le Jazz at Lincoln Center Orchestra dirigé par Wynton Marsalis. L'orchestre possède une manière distincte de jouer et une histoire riche, fondées sur une tradition que nous continuons à préserver.

Le groupe a considérablement évolué depuis mon arrivée. Nous comptons 15 membres, tous solistes accomplis, ainsi que compositeurs et arrangeurs. En tant que pianiste, mon rôle est d'accompagner les autres. Avec 14 musiciens autour de moi, chacun peut souhaiter quelque chose de légèrement différent derrière son solo. La section rythmique ne s'arrête jamais, et bien que le rôle soit exigeant, j'apprécie le défi de donner à chaque interprète exactement ce dont il a besoin sur le moment.
J'ai joué avec des légendes de tous les genres, notamment Norah Jones et Willie Nelson. Je n'oublierai jamais le moment où Willie Nelson nous a invités dans son bus de tournée—passer du temps avec lui est toujours mémorable, compte tenu de son statut de véritable icône. Souvent, on ne sait pas à quoi s'attendre jusqu'à ce que l'on rencontre des artistes de ce niveau, mais 95 à 99 pour cent du temps, ils sont remarquablement terre-à-terre—chaleureux, aimables et ouverts, comme n'importe qui d'autre.
Je crois que la musique enracinée dans les styles plus anciens est intrinsèquement intemporelle. De nombreux genres ont évolué à partir de ces fondations—même la musique country porte des éléments de blues. Lorsque nous collaborons avec des artistes issus de différents horizons, nous nous concentrons sur ce que nous partageons, et le plus souvent, ce terrain d'entente réside dans le blues et le sens de la narration.

Le « swing » et la « conversation »,
les classiques immuables du jazz

Ce qui reste classique et demeure partie intégrante de la tradition du jazz, selon moi, c'est le rythme swing. C'est ce qui définit le jazz. La sensation de la croche et du triolet se déroulant simultanément est ce qui rend notre musique unique. Nous avons également le blues en tant que forme.
Mais une autre chose est que le jazz est une question de conversation et d'écoute des autres. Si vous n'avez pas de conversation, si vous ne laissez pas de place pour l'espace, vous ne jouez pas vraiment du jazz. Je joue quelque chose, l'autre personne écoute et y réagit. C'est un échange. C'est ce qui fait notre musique.
Mon attitude envers la tenue de scène a également évolué avec le temps. Quand j'étais plus jeune, je n'y prêtais pas beaucoup d'attention, mais en vieillissant, j'en suis venu à réfléchir plus attentivement à la façon dont je me présente. Je vise un look soigné et raffiné sur scène. Porter un costume est une façon de montrer du respect pour la musique et pour ceux qui nous ont précédés. Si vous vous souvenez des débuts du jazz, les musiciens étaient toujours vêtus de costumes et de cravates. Pour moi, me produire signifie me présenter de manière soignée et respectueuse.

J'ai eu l'opportunité de porter plusieurs modèles King Seiko cette fois. Parmi eux, le KSK s'est distingué comme une pièce qui incarne une beauté essentielle malgré sa simplicité. J'ai été particulièrement séduit par sa présence neutre et classique. Elle ne semble jamais excessivement affirmée, et pourtant tout ce dont elle a besoin est présent—il y a un sentiment d'équilibre parfaitement réalisé.
Une autre pièce qui a attiré mon attention était le nouveau VANAC en titane. Il est audacieux, mais vraiment magnifique. Le fait que la surface soit polie comme un miroir est stupéfiant. Ce qui m'a également surpris, c'est sa légèreté. En tant que pianiste, le modèle plus léger est plus facile et plus pratique. Le modèle au cadran violet était magnifique également, mais je ne porte pas vraiment beaucoup de vêtements violets, donc une couleur neutre comme le titane me convient mieux. Cependant, lors du choix, j'ai définitivement besoin de l'aide de ma femme—son opinion est la plus précieuse !
Il existe de nombreux points communs entre les montres et la musique. Le rythme immuable d'une montre mécanique est exactement comme un métronome. Dans la musique, le « temps » est tout.
Le rythme est primordial ; vous ne devez pas être en retard, mais vous ne devez pas non plus être trop en avance. Continuer à exister au moment précisément opportun (juste à temps) est d'une importance capitale. Le tic-tac précis du temps en synchronisation avec la musique reflète parfaitement l'attitude sincère d'être ponctuel et d'accomplir convenablement les choses dans la vie.

Le choix d'être « authentique »
et le dévouement à la musique

Je participe actuellement en tant qu'instructeur au Seiko Summer Jazz Camp. En travaillant étroitement avec un groupe restreint de seulement cinq étudiants par instrument, je suis continuellement impressionné par leur profond respect pour la musique et leur fort désir d'apprendre.
De nombreux anciens participants sont déjà actifs dans la scène jazz actuelle, et j'ai même eu l'opportunité de me produire avec certains d'entre eux. C'est véritablement un honneur de faire partie d'un programme éducatif aussi exceptionnel.

Tout comme King Seiko a continué à poursuivre la véritable essence de l'horlogerie tout au long de sa longue histoire, nous, en tant que musiciens, devons nous demander ce que signifie être véritablement « authentique ».
Je crois que cela a peu à voir avec l'endroit où vous êtes né ou avez été élevé. Il s'agit plutôt de la profondeur avec laquelle vous vous immergez dans la culture et la langue de la musique—jusqu'où vous êtes prêt à vous consacrer jusqu'à ce que vous puissiez la parler librement.
Aujourd'hui, nous vivons à une époque où la musique du monde entier peut être apprise en ligne. Précisément pour cette raison, il est important de ne pas imiter les autres, mais de s'efforcer de devenir la meilleure version de soi-même. Si vous restez fidèle à qui vous êtes et demeurez dévoué à la musique, cela se révélera inévitablement dans votre jeu.
Je crois que c'est la seule véritable voie pour devenir « authentique » d'une manière qui transcende le temps.