Entrevista

O meu pai é baterista—não profissional, mas sempre houve bateria em casa desde que nasci. Portanto, o meu primeiro instrumento foi, na verdade, a bateria. Comecei simplesmente por tocar ao som dos discos que tínhamos em casa. Os meus pais não ouviam jazz; em vez disso, a música na nossa casa provinha de artistas como Earth, Wind & Fire, the Ohio Players, e George Benson.
A minha verdadeira jornada musical começou aos dez anos, quando adquirimos um piano. Inicialmente, tocava de ouvido, seguindo o meu pai, e eventualmente comecei a ter aulas de música clássica. Contudo, nem sempre fui diligente a praticar.
Em vez de praticar as peças atribuídas exactamente como escritas, considerava muito mais agradável tocar melodias simples da minha própria autoria antes das aulas, ou improvisar e arranjar as peças à minha maneira. Em vez de me repreender por não fazer os trabalhos de casa, o meu professor de música clássica reconheceu o meu lado criativo e transgressor e sugeriu: "Talvez seja melhor estudares jazz."
Conhecer um mentor tão extraordinário — e ouvir Oscar Peterson tocar — revelou-se um ponto de viragem. No momento em que o ouvi, soube que queria tornar-me músico de jazz. Tocar o piano que amo, viajar pelo mundo e atuar para as pessoas—nada na minha vida é mais gratificante ou alegre.

O orgulho da secção rítmica, harmonizando 15 personalidades únicas

Mudei-me para Nova Iorque em 2004 e, no ano seguinte, no início dos meus vinte anos, ingressei na Jazz at Lincoln Center Orchestra liderada por Wynton Marsalis. A banda tem uma forma distinta de tocar e uma história rica, construída sobre uma tradição que continuamos a preservar.

O grupo evoluiu significativamente desde que me juntei. Temos 15 membros, todos solistas fortes, assim como compositores e arranjadores. Como pianista, o meu papel é acompanhar os outros. Com 14 músicos à minha volta, cada um pode desejar algo ligeiramente diferente durante o seu solo. A secção rítmica nunca pára e, embora a função seja exigente, aprecio o desafio de proporcionar a cada músico exatamente aquilo de que necessita no momento.
Tenho actuado com lendas de diversos géneros, incluindo Norah Jones e Willie Nelson. Nunca esquecerei quando Willie Nelson nos convidou para o seu autocarro de digressão—passar tempo com ele é sempre memorável, dado o seu estatuto como um verdadeiro ícone. Frequentemente, não se sabe o que esperar até se conhecer artistas desse nível, mas 95 a 99 por cento das vezes, são notavelmente modestos—calorosos, amáveis e abertos, tal como qualquer outra pessoa.
Acredito que a música enraizada em estilos mais antigos é inerentemente intemporal. Muitos géneros evoluíram a partir dessas fundações—até a música country transporta elementos do blues. Ao colaborar com artistas de diferentes origens, concentramo-nos naquilo que partilhamos e, mais frequentemente do que não, esse terreno comum reside no blues e num sentido de narrativa.

"Swing" e a "conversação",
os clássicos imutáveis do jazz

Aquilo que permanece clássico e continua a fazer parte da tradição do jazz, na minha opinião, é o ritmo swing. É o que define o jazz. A sensação da colcheia e da tercina a ocorrerem simultaneamente é o que torna a nossa música única. Temos também o blues como forma.
Mas outra coisa é que o jazz trata de conversação e de escutar os outros. Se não existir uma conversa, se não deixar espaço para o silêncio, não se está verdadeiramente a tocar jazz. Eu toco algo, a outra pessoa escuta e reage a isso. É um dar e receber. É isso que faz a nossa música.
A minha atitude em relação ao traje de palco também evoluiu com o tempo. Quando era mais jovem, não lhe prestava muita atenção, mas à medida que fui envelhecendo, passei a pensar com mais cuidado sobre como me apresento. Procuro ter um aspeto elegante e refinado no palco. Usar fato é uma forma de demonstrar respeito pela música e por aqueles que vieram antes de nós. Se recuarmos aos primórdios do jazz, os músicos estavam sempre vestidos de fato e gravata. Para mim, actuar significa apresentar-me de forma polida e respeitosa.

Tive a oportunidade de usar vários modelos King Seiko desta vez. Entre eles, o KSK destacou-se como uma peça que incorpora uma beleza essencial apesar da sua simplicidade. Fiquei particularmente atraído pela sua presença neutra e clássica. Nunca parece excessivamente assertivo, mas tudo o que precisa está presente—há uma sensação de equilíbrio perfeitamente conseguido.
Outra peça que me chamou a atenção foi o novo VANAC em titânio. É arrojado, mas realmente magnífico. O facto de a superfície estar polida como um espelho é impressionante. O que também me surpreendeu foi a sua leveza. Enquanto pianista, o mais leve é mais fácil e prático. O modelo com mostrador roxo também era bonito, mas não uso realmente muita roupa roxa, portanto uma cor neutra como o titânio é melhor para mim. Ao escolher, porém, necessito definitivamente de alguma ajuda da minha esposa—a opinião dela é a mais valiosa!
Há muita sobreposição entre relógios e música. O ritmo inabalável de um relógio mecânico é exactamente como um metrónomo. Na música, o "tempo" é tudo.
O ritmo é primordial; não se deve chegar atrasado, mas também não se deve chegar demasiado cedo. Continuar a existir no momento exactamente certo (precisamente a tempo) é de importância crítica. Marcar o tempo com precisão em sincronia com a música reflecte completamente a atitude sincera de ser pontual e realizar as coisas adequadamente na vida.

A escolha de ser "autêntico"
e a dedicação à música

Atualmente, participo como instrutor no Seiko Summer Jazz Camp. Trabalhando de perto com um grupo seleto de apenas cinco estudantes por instrumento, fico continuamente impressionado pelo seu profundo respeito pela música e pelo seu forte desejo de aprender.
Muitos antigos participantes já estão ativos na cena do jazz atual, e até tive a oportunidade de tocar com alguns deles. É verdadeiramente uma honra fazer parte de um programa educacional tão excecional.

Tal como o King Seiko tem continuado a procurar a verdadeira essência da relojoaria ao longo da sua longa história, nós, enquanto músicos, devemos questionar-nos sobre o que significa ser verdadeiramente "autêntico".
Acredito que tem pouco a ver com o lugar onde nasceu ou foi criado. Em vez disso, trata-se de quão profundamente se imerge na cultura e na linguagem da música—até que ponto está disposto a dedicar-se até conseguir expressá-la livremente.
Atualmente, vivemos numa era em que a música de todo o mundo pode ser aprendida online. Precisamente por isso, é importante não imitar os outros, mas esforçar-se por se tornar na melhor versão de si próprio. Se permanecer fiel a quem é e se mantiver dedicado à música, isso revelar-se-á inevitavelmente na sua execução.
Acredito que este é o único caminho verdadeiro para se tornar "autêntico" de uma forma que transcende o tempo.